Дирижер Филипп Чижевский: «Мне нравится музыка с оттенком тьмы»

Аида ВоробьёвaАвтор:Аида Воробьёвa

Дирижер Филипп Чижевский: «Мне нравится музыка с оттенком тьмы»

Филипп Чижевский

Фестиваль-премия «Золотая маска» подходит к концу. Предпоследний показ музыкальной программы проводятся в Электротеатре Станиславский. Среди номинантов два из пяти эпизодов оперной эпопее Бориса Юхананова «Сверлийцы». За музыкальное воплощение всего цикла отвечает Филипп Чижевский, для которого текущий учебный музыка – известные места. Он полон решимости и готов решать задачи любой сложности.

– Спустя почти год после премьеры оперы «Сверлийцы» изменило ваше отношение к партитурам пяти эпизодов?

– Конечно. Мои первичные отношения с текстом были, скорее, хаотично. Борис Юхананов работал над текстом в течение десяти лет, и каждое предложение, каждая фраза в «Сверлийцах» не является случайным. Такой огромный труд вы читаете внимательно, но какие-то вещи, которых нет на поверхности, сразу не открываются. Все надсмыслы и подсмыслы, которые становятся видны позже. Весь сериал мы играем в третий раз, в том числе, продолжает совершенствовать и вносить коррективы, по-новому строим звуковую сцену.

– Для вас «Сверлийцы» – целостный проект?

– Я думаю, что да. В этом марафоне блочные движение: мы делаем каждый эпизод два раза, без приоритетов к тому или иному сочинению. Со временем сложилась ясная концепция, которую, быть может, мы будем использовать в будущем. В «Сверлийцах» прослеживается трехчастная структура: первая часть триптиха – эпизоды Курляндского и Филановского, вторая – Сюмака, Невского и Сысоева, третья – Раннева. В этом условном делении сыграло свою роль и декорации, местоположение зрителей по отношению к пространству сцены. Две недели мы живем под эмблемой «Сверлийцев», и весь театр превращается в след за их эстетикой – резко в этом. Так же, параллельно с «Сверлийцами» проходят необычные, камерные концерты. Не так давно на «Электролестнице» выступал мой друг, скрипач Роман Минц с первой и третьей сонатами Шнитке, Сюитой в старинном стиле. Электротеатр предлагает для того, чтобы погрузиться в эту музыку. Часто мы устали филармонических пространстве…

– Я могу в качестве примера на ваши слова, это лондонский опыт – Оркестра эпохи просвещения-это специальная программа, NightShift, где в клубном формате, за столиками с выпивкой, можно послушать классическую музыку разных эпох. Не снижает ли такая ситуация градус пафоса?

– Музыка является частью жизни культурного человека. Может существовать и рядом с напитками. В эпоху барокко музыка в театрах начинала звучать еще до начала самого представления. То есть для увертюры звучал танцев, которые выполняли функцию трех звонков, сообщающих, что пришло время, чтобы занять места. И это была очень хорошая традиция. И часто эта музыка установлена в результате оперы. Еще одна традиция, канувшая в Лету, – выполнение отдельных частей симфонии. В одной мне нравится менуэт, в другой – adagio, в третьем – финал. Почему бы не сыграть это отдельно?

– Многие режиссеры находят перерыва, предваряющие действия, привлекательны и все чаще включают их спектакли…

– Несколько лет назад, когда мы оперу «Франциск» Сергея Невского в Большом театре, поступили таким же образом – в холле была средневековая живая музыка, что является непосредственно связанные с темой оперы. Зрители сначала смотрели художественные performance, а потом актеры вели их на места. И путь от ручки, в театр, в зале был частью сборной.

См. также:Известный пианист Александр Романовский впервые выступит в Ереване 17 октября

– Но Юхананов пошел дальше?

– Во всех смыслах пошел дальше.

– Кто из сверлийских эпизодов оказался для тебя крепким орешком?

– Наиболее светлая и прозрачная часть – эпизод Дмитрия Курляндского. У Бориса Филановского – огромная фреска, опера-оратория, это трудно сделать. Со всеми вокалистами, я общаюсь с помощью камеры (у Курляндского тот же макет), которые соединяются с мониторами. Была проделана огромная работа: мы постарались, чтобы сигнал шел без задержки, почти синхронно, потому что в быстром темпе, с постоянно меняющимися размерами зазор недопустим. Эпизод Сергея Невского – лаконичный, со сквозной структурой. Алексей Сысоев – это океан со своими приливами и отливами. Владимир Раннев – сложная, многоплановая результат с массой задач. Во время работы над ней, увидеть огромное количество техник игры, чтобы достичь желаемого эффекта, не пытаясь специально препятствовать, а, наоборот, оптимизации производительности задачи.

В принципе, любую музыку можно записать на 3/4 или 4/4. Например, у шведского композитора Бу Нильссон триптих на слова Освальда. Я вел этот счет, и, наверное, ничего более сложного технически, пока не исполнял. Размеры предстояло рассчитать на калькуляторе. Кроме того, результат был с факсов. Но вы можете написать гиперсложно и на 4/4. Яркий пример – концерт для фортепиано Дьердя Лигети. Первая часть написана в 4/4, но все равно идет смещение акцентов. Вести безумно трудно. Возвращаясь к «Сверлийцам», наверное, все они по-своему сложные. Участок Алексея Сюмака – совершенно отдельный опыт, ранее мне неизвестный – я дирижирую под фильм, в котором есть реплики. Мне нужно синхронизировать их с живым музыкальным звучанием солистов, инструментов.

– Но ведь все, что происходит на видео, можно рассчитать до секунды.

– Именно так я и поступал: он думал и делал заметки, что, грубо говоря, после одной комнаты, жду пять секунд, и я начинаю второй в конкретном темпе, и в этом случае это сработает с поправками. И, тем не менее, от люфта не можно застраховать.

– Какие трудности возникали в общей части Невского и Сысоева?

– Невский сложен тем, что на его месте мало нот. При динамическом увертюры с сквозное развитие начинается действие в замедленном темпе, который не меняется на протяжении всей оперы. Сложность заключается в том, чтобы дать услышать перерывы между очередными акциями и при этом, не терял момент напряжения. Алексей Сысоев стремится к гармоничному изображения, прибегают к использованию не музыкальных инструментов. У медных духовых инструментов, например, в партиях только один такт, где они играют на своих инструментах – это первая нота. Потом играют скрипки на проволоке, поддерживающей куском пенопласта и остановился на этом, играют фрикшенболом на поверхности тома и т. д. Партия хора, написанную пластично и очень свободно: певцы ориентируются на оркестр и поют, что слышит в своей тесситуре. Это как зыбкий, ранняя майская листва. Резюмируя все вышесказанное, я думаю, что ни у одного дирижера не было такого опыта – удовлетворить пять опер разных авторов подряд, объединенных одной сюжетной линией.

См. также:Теодор Курентзис: «мы держим оборону флага культурной революции»

– С сегодняшней позиции вы можете оценить, как публика была готова к сверлийскому эксперимента? И когда эксперимент перестал быть нужным?

– Я не верю, что этот опыт относится к результатам экспериментов. Таким он не был. Как общество может понять идею, если у исполнителя есть сомнения? Самое главное всегда остается живой эмоции, а какими средствами мы ее доносим второстепенные. Мы играем или сонату Моцарта или мы делаем оперу Курляндского, не имеет значения. Мы все занимались этим проектом с полной отдачей и погружением. Момент участия общественности очень важно, потому что только вместе с ней происходит преобразование атмосферы для исполнителей. Она помогает в понимании течения музыкального времени. Как хорошо, что я не играл на репетиции, все равно это не будет иметь ничего общего с концертом, спектаклем. То же самое могу сказать и про запись.

– То есть, после «Сверлийцев» можно смело поставить «Свет» Штокхаузена?

– Я бы очень хотел этим заняться!

– В ноябре у вас есть шанс сыграть «Группы» Штокхаузена в Москве в рамках фестиваля «Другое пространство». Как ваше имя появилось в этом проекте?

– Штокхаузен – маленькая победа. «Группы», впервые прозвучат в России. Полтора года назад я встречался с Владимиром Юровским. Он знал обо мне, как о человеке, который имеет непосредственный контакт с новой музыкой. Перед прошлым «Другим местом», он попросил меня его нет позаниматься с Госоркестром Светланова. Я работал над Второй симфонией Денисова и «Телесной мандалой» Джонатана Харви. С этого момента я начал говорить с ним и возглавляемым им коллективом.

В начале этого сезона у меня это был первый концерт с Госоркестром. С пианистом Александром Романовским, мы должны были играть два концерта Шопена. Долго думал, чем их можно разбавить, и он вспомнил о первых алеаторическое сочинение Витольда Лютославского – «Венецианские игры» с 1961 года. Филармония заказала ноты партии. Это была абсолютно фантастическая ситуация! Я был приятно удивлен. До этого оркестр отлично справился. Потом я ездил с Госоркестром на экскурсионную поездку, в январе играл концерт в филармонии. О «Группы» Штокхаузена мы говорили в офисе Юхананова. Именно тогда Юровский пришел к нам слушать «Сверлийцев», написанная Курляндским. Тогда я еще не знал, будет ли в ноябре 2016 года. в Москве. К счастью, все сложилось, и мы вместе реализуем этот проект.

– На ваш взгляд, когда произойдет выход современной музыки из фестивального пространства? В театрах, кажется, все-таки подхватили эту волну, и сейчас является хорошим тоном ставить современные оперы. В «Стасике» играют «Кроткую» Тавенера, в «Геликоне» ставят «Доктора Гааза» на книгу Улицкой.

См. также:Состоялся заключительный концерт цикла «на Пороге бессмертия»

– Отлично, что мы наблюдаем эту тенденцию в театрах. Правда, некоторые авторы пишут музыку льгот, что недопустимо на мой взгляд. Я считаю, что искусство должно быть бескомпромиссным. Изготовление – безапелляционным. Посмотри на оценки Перселла! Что, черт возьми 5D!

– Я заметила, что очень многие болеют музыки эпохи барокко, в том числе и современные композиторы. А команды-специалисты в историческом исполнительстве, наоборот, скорее, к настоящей музыке. Почему так происходит?

– Это витает в воздухе. В некотором смысле мы живем в эпоху барокко. Если вы посмотрите на социальные и гендерные роли мужчины и женщины, то они смешанные. Сценографические решения барочных опер 10-15 лет назад: на фоне горящей мусор поют перемазанные в грязи, солисты. Сейчас все наоборот: китч – это реконструкция исторического костюма. Музыку эпохи барокко мы переживаем сегодня – как художники, и как слушатели. При этом нам трудно понять симфонии Мясковского, хотя жил в XX веке, в хронологическом порядке, приближенном к нам. Есть много интересных произведений. Я хотел бы продирижировать его Десятую симфонию, одночастную, лаконичную, экспрессивную, порывистую и несчастья. Скомбинировал ее в концерте с сочинением Мортона Фелдмана. Вообще мне нравится музыка с оттенком тьмы…

– Мясковского вы хотите сделать с Госоркестром?

– С ними или с кем-то другим… Между мной и Госоркестром есть понимание. Этот коллектив сейчас стал одним из ведущих качество исполнения. Она мгновенно захватывает информацию из рук дирижера. Замечательная атмосфера – чувствуешь себя как в домашних тапочках. Многие музыканты – мои друзья. Когда приезжает Юровский, работают интенсивно, в короткий промежуток времени, строят сложные программы, так что, безусловно, идет рост. Я хотел бы, чтобы этот оркестр никогда не было потолка.

– Интересует ли вас перспектива занять должность худрука в каком-то большом симфоническом оркестре?

– Это произойдет. Но здесь не нужно спешить. Я играю с коллективами различных составов. Для меня важен эффект контрастного душа, который хорошо влияет на циркуляцию крови в организме – и в плане разнообразной музыки, и в плане реструктуризации управления в той или иной команде. Мне очень нравится, что я могу делать это параллельно. Вести оркестр – большая ответственность. Но рано или поздно придет.

Юлия Чечикова, «M24»

Об авторе

Аида Воробьёвa

Аида Воробьёвa administrator

Оставить ответ