Алхимия музыки: артисты Госоркестра – о худруках, амбициях и перфекционизме

Аида ВоробьёвaАвтор:Аида Воробьёвa
, , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , ,

Алхимия музыки: артисты Госоркестра – о худруках, амбициях и перфекционизме

Владимир Юровский и ГАСО им. Светланова

Осенью этого года Госоркестр России имени Светланова отметит 80-летие. В его истории были и счастливые, и драматические страницы, но каждый из этапов неразрывно связан с целой галереей ярких портретов.

Нынешний творческий руководитель легендарного ансамбля – Владимир Юровский. Пять лет назад, принимая на себя художественное руководство, молодой, энергичный дирижер поступил гуманно и правильно, отказавшись от изменений в составе оркестра. Этим, так нехарактерным для российских реалий вариант, поставил себе музыкантов, с которыми сотрудничает по сей день.

Кстати, так совпало, что эта публикация выходит в день рождения Юровского. Среди подопечных маэстро не только молодежь, но и представители старшего поколения, ветераны, которые играли по всему миру с легендарным Евгением Федоровичем Светлановым. Юлия Чечикова знакомит читателей с музыкантами Госоркестра.

Сергей Гиршенко, концертмейстер оркестра, народный артист России

Давид Ойстрах, великий скрипач, у которого я учился, говорил, что быть первой скрипкой в оркестре чрезвычайно трудно: сначала вы играете со всеми вместе, а потом вдруг остаешься один, пели соло.

Диска, вместо школьных обедов

Выбор профессии для меня, конечно, связан с преемственностью. Мой отец был скрипачом, одним из лучших учеников Юлия Ильича Эйдлина, профессор консерватории в санкт-Петербурге.

В это время в его классе навыки, овладевали также Борис Гутников, Михаил Вайман. Моя мама тоже музыкант – пианист, всю жизнь преподавала. Сестра, давно переехавшая в Австрию, занимается фортепиано с учениками в Венской консерватории.

До семи лет я жил с бабушкой в Ростов-на-Дону, родители работали в санкт-Петербурге. Когда отец получил должность концертмейстера в Мариинском театре и дали ему квартиру, я переехал к ним. С удовольствием изучал домашнюю библиотеку – одну из первых плит, которые упали мне в руки, была запись яши Хейфеца – «Рондо-каприччиозо» Сен-Санса и «Цыганские песни» Сарасате.

Сергей Гришенко. Фото – Юлия Чечикова

Не ограничено только лук репертуаром, слушал пианистов, симфоническую и вокальную музыку, впитывая весь этот культурный пласт. Личные деньги, которые мне давали на обеды, я откладывал, а потом покупал на них диски с классикой.

Заканчивая Центральной музыкальной школе в москве, я загорелся мечтой – учиться у Давида Ойстраха, и он был счастлив, чтобы попасть к нему на занятия, хотя это было непросто – к нему стремились. Он ничего для меня и сразу сказал, что берет на ученика.

Конечно, я находился под его влиянием, иначе быть не могло: Ойстрах – махине, мощный интеллект. Его отличала такая искренняя любовь к музыке…

После его смерти я был у Дмитрия Михайловича Цыганова, выдающегося музыканта, великого друга Шостаковича. С аспирантурой связаны камерные концерты со Святославом Рихтером. Кроме меня, он пригласил Олега Кагана, Юрия Башмета… Было очень интересно играть в этот агрегат составом!

Между двумя столицами

Скоро он занял почетное место первых скрипок в Большом театре (главным дирижером в то время был Юрий Симонов). Этом оркестре я посвятил 21 год жизни.

Помимо основного репертуара театра, постоянно выступали с концертами и симфоническими, и не только в Москве, по всему миру (особенно часто – с Александром Лазаревым).

В середине 90-х Юрий Темирканов пригласил меня на место солиста-концертмейстера в оркестр Санкт-Петербургской филармонии, и на какое-то время мне придется совмещать игру в двух оркестров.

Большой театр оставил по собственному желанию. В ближайшее время ко мне обратилось руководство Госоркестра имени Светланова. Так начался еще один московско-питерский период.

В Санкт-Петербурге провел семь лет, совмещая свою работу в оркестре, выступления в качестве солиста (он исполнял концерты Чайковского, Прокофьева, Сибелиуса, Бруха, Стравинского, Бартока, Щедрина, Шебалина). Я очень рад, что мне и таких выдающихся дирижеров, как Темирканов, Лазарев.

Часто выступали с Василием Синайским. Какое-то время руководил Госоркестром. Это в высшей степени профессиональный музыкант, человек энциклопедических знаний. Есть огромная музыкальная библиотека. Я помню, когда мы были с ним на гастролях в Италии, вместе искали в музыкальном магазине что-нибудь интересное из дисков.

В качестве солиста я объездил весь мир. Один памятный для меня концерт состоялся в мадриде в театре монументаль. На его фасаде висит мемориальная доска: «В 1935 году состоялась премьера Второго скрипичного концерта Сергея Прокофьева».

Меня пригласили сыграть с оркестром Испанского радио и телевидения это большой труд по случаю 75-летия с момента первого исполнения. В середине в артистическую вошел импозантный мужчина и на чистом русском языке сказал:

«Учитель, спасибо вам большое! Здесь я специально прилетел из Парижа. Я – Сергей Прокофьев».

Можете себе представить мою реакцию? Играть прокофьевский концерт и встретиться лицом к лицу с человеком, которого зовут Сергей Прокофьев. Это был один из его внуков.

Свобода как условие творческого союза

С Госоркестром Светланова меня связывают отношения длиной более пятнадцати лет. Качественно новые изменения в жизни команды произошли с приходом Владимира Юровского. Он – человек огромной эрудиции, широчайших взглядов.

Не забывая о традиции, в корне изменил репертуар, используя в дополнение к основному классики большой спектр новых для нас произведений. Интерпретация этой музыки заставляет иначе относиться к тому, что мы играли всегда. Оркестр выдохнул, после обретения свободы. Музыкант по-разному проявляется, когда не чувствует на себе вес диктата.

Пятнадцать лет назад, еще до президентского гранта, оркестра вызвало много трудностей. В период предыдущего руководства наблюдается страшная текучесть кадров. С приходом Владимира Михайловича, к счастью, удалось восстановить двух замечательных, выдающихся солистов – первого кларнетиста Михаила Безносова и концертмейстера, оба Алексея Коноплянникова. В свое время оба были вынуждены покинуть оркестр, но теперь они снова с нами.

Я не был лично с Юровским для его назначения, но еще в Большом театре всегда с большим удовольствием играл с его отцом Михаилом Владимировичем Юровским. В 2011 году никто не мог предположить, что руководителем Госоркестра станет гражданином России. Для всех такой поворот оказался полной неожиданностью.

С самого начала Юровский говорил, что гармоничные отношения между дирижером и оркестром – в результате сложного процесса химического. Прошло немного времени, и Владимир Михайлович признался – «химия».

Для Юровского мы можем потратить на десять попыток на единственное произведение. Сейчас мы играем в трех различных программ за неделю. Он поднял мобильность оркестра, функционировал ресурс, который ранее не был использован. Да, у нас есть две попытки в день, но это совсем другая жизнь!

Кроме того, освоение оркестром большого количества материала во многом зависит от профессионализма дирижера. Кто-то выбирает эмпирический метод, растягивая репетиционный процесс. Владимир Михайлович – дирижер другого склада. Для нового продукта всегда дает плотную, энциклопедически точную справку – о композиторе и его эпохе, об истории создания.

Его подход настраивает сознание и подсознание музыка на чувство поиска, рождается направлены предчувствие экземпляров в композиторскую зоны. Мне нравится, что Юровский всегда стремится изучить предмет в деталях и готов тратить время на какие-то, с общей точки зрения, мелочи (другие дирижеры вряд ли когда-либо обращали на них внимание). Его честные, максималистское отношение мне особенно близка.

См. также:В консерватории в санкт-Петербурге появился антикоррупционный орган

Авторский текст для Владимира Михайловича – святое. Меня тоже с молодости интересовался уртекст. В скрипичном репертуаре есть, например, a-moll концерт Баха. Финал, было принято играть нараспев, широко, что рождало во мне внутренний протест. Я нашел факсимиле и удивился – это жига! Бах так писал эту часть!

Я сам так играл этот концерт, тридцать лет назад, и мне удалось привить своим ученикам хороший обычай – свяжитесь с уртексту. Это дает более глубокое понимание языка композитора. К сожалению, такой подход не имеет широкого распространения.

Мне тоже очень нравится, уже проведена идея Юровского – третья группа концертов с выполнением в них камерной музыки разных эпох и стилей. Настоящий музыкант – всегда прекрасный ансамблист.

Георгий Капитонов. Фото – Юлия Чечикова
Антон Капитонов, концертмейстер группы альтов, народный артист России

Альта соло и в оркестре – это большая ответственность, чем свой собственный концерт, скажем, в Малом зале консерватории. Если alt сыграет неудачно, подведет ста человек. Но и моменты общего успеха рассматриваются, в частности, с чувством гордости за свою команду.

Дирижерский темперамент как стимул к сольной карьере

Я не думал о будущем, когда учился в консерватории – сам процесс обучения принес мне огромное удовольствие. Когда-то мой профессор Евгений Владимирович Страхов задал серьезный вопрос: в каком оркестре я хочу играть – в опере, камерном или симфоническом? Я сразу сказал – в симфоническом.

Наверное, ему понравился такой ответ, потому что он сам был концертмейстером альтов в Госоркестре. Могу ли я тогда рассчитывать, что со временем я найду это место?

Как и все студенты консерватории, ходил на концерты. Эти походы имели место в 1965 году, когда возглавил Госоркестр Евгений Федорович Светланов (тогда я уже был достаточно зрелым, учился на последних курсах). Меня привлекает масштабность звучания оркестра, богатство звучания, мощность струнных (да мясистый звук, не было ни у кого!).

Конечно, мне очень хотелось стать участником этого таинства. В 1971 году мечта сбылась – я в Госоркестр. Опыта у меня не было, и на первой попытке, взяв в руки ноты Пятой симфонии Чайковского, я испытал отчаяние: как можно выучить язык?! Оказалось, это не так сложно – я добросовестно корпел над партиями и почувствовал необычный подъем, услышав, как мой голос сливается в звучание оркестра.

Конечно, об этом периоде сказать не может, обходя стороной личность Светланова. Каждому музыканту казалось, что Евгений Федорович ведет лично ему. Музыканты не прятались друг за друга, наоборот, отвечали не только жесты, но и эмоции. Каждый играл, как никогда в жизни (по крайней мере, так всем казалось).

Светланов проснулся в музыканта неизвестные ранее чувства. Его артистизм, величие, эмоции, страсть вдохновила меня на сольную деятельность. Много выступал с различными оркестрами – с Ярославля, Круг, Новосибирска. И с Госоркестром. Под управлением Василия Синайского мы с женой сыграли концертную симфонию Моцарта. При Горенштейне – вместе с Максимом Федотовым были выполнены концерт Бруха для альта и кларнета с оркестром (переложение для альта и скрипки).

О симпатии внучки Малера и преемственности поколений

Каждый музыкант в Госоркестре был уверен, что светлановская интерпретация является наиболее убедительной. Даже сейчас, слушая записи тех лет, кажется, что именно у Евгения Федоровича все было правильно – так это вошло в наши души, плоть и кровь. Мы присоединялись к интерпретации, когда играл с ним. Каждая репетиция была для нас событием, каждый концерт-это праздник.

Особое место в репертуаре тех времен награжден любимого композитора Светланова – Рахманинову. Мы постоянно играли «Симфонические танцы», Вторую симфонию. Никогда не забуду, как в венском Musikverein после исполнения Первой симфонии зал не отпускал нас двадцать минут!

Светланов умел эмоционально увлечь и слушателя, и оркестр. Кстати, в 90-х годах опять в Вене мы играли Девятую симфонию Малера в присутствии своей внучки, уже пожилая женщина. После концерта горячо благодарен Светланова в художественном, жала ему руку. Музыка Малера в своей сути оперная, и каждый эпизод – законченный юмористический, лирический, прекрасный образ. Евгений Федорович всегда старался подчеркнуть это.

Хоровая музыка тоже интересовалась Светланова. Однажды он привез в Москву лондонский хор – мы должны были совместное исполнение оратории Элгара «Сновидения Геронтиуса», до этого момента никогда не звучавшей в России.

Хор состоял из любителей. У начальника фамилия Хокинс, но Евгений Федорович, почему называли его Хичкоком. Так вот, Светланов, оркестр, дирижер, показывал им приемы, о которых певчие никогда до этого не слышали! Конечно, не могли предположить, что в России их ждет такое сильное музыкальное потрясение.

Светланов много дирижировал Чайковского. Один концерт памяти Святослава Рихтера – оставил незабываемые впечатления. Евгений Федорович включил в программу «Ромео и Джульетта», «Франческа да Римини» и Пятую симфонию Чайковского, и все изменилось – темп, динамику, кульминацию. Не официально отнесся к его на плакат поводу, а он хотел вложить в посвящение всю душу. Получилось совершенно новое прочтение!

Один из музыкальных критиков, ранее негативно настроен к нему, после того концерта он признался, что открыл новый Светланова. Кстати, Владимир Юровский в течение последних двух лет, тоже часто обращался к музыке Чайковского: мы исполняли Первую симфонию, две сюиты, «Франческа да Римини», «Ромео и Джульетту», музыку к «Гамлету» и «Бурю». Было много Рахманинова, играли и Мясковского, что, конечно, свидетельствует о существующей линией творческой преемственности.

Как это Светланова приглашен в Америку. Не люблю там ездить, но в этот раз согласился – не помню, речь шла о Бостоне и Чикаго.

Выходя за пульт, он представился: «Евгений Светланов-композитор». После репетиции оркестра спрашивает: «Что это за музыка?! Это выдающийся дирижер! У нас такого еще никогда не было!»

А Светланов считал себя прежде всего композитором, и с этой позиции он понимал, что музыка его современников – Щедрина, Эшпая, Хренникова – не должна пылиться в ящике стола. В этом, очевидно, его заслуги как педагога – постарались представить наиболее широкие массы с новыми и редкими песнями.

В связи с этим следует отметить, что и Юровский проповедует те же принципы. В этом сезоне у Госоркестра появился композитор в резиденции – Александр Вустин. В Москве уже играл его «Песню Лукерьи». Еще один трек – «Песня из романа Платонова» – будет реализован в Воронеже в июне этого года.

Возвращаясь к Светланову, хочу отметить, что он был первым в нашей стране, кто продирижировал «Турангалила-симфонии» Мессиана, много играл Шенберга, Стравинского.

См. также:скрипичный мастер Калашников секрет Страдивари и духовке с баллистической ракеты

Существовало убеждение, что, когда Светланов стоял за пультом Госоркестра, музыканты играли хорошо, а без него – плохо. Это не соответствует действительности. Мы никогда не позволяли себе опускаться ниже установленной им планки, просто не умеют играть хуже. Все, разница заключалась в том, что с другими дирижерами мы играли хорошо, а с Светлановым – гениально. За пультом был гением!

Бездомные энтузиастов

Самая большая проблема Госоркестра на сегодняшний день – отсутствие репетиционной базы. Наше скитание продолжается уже много сезонов: мы репетируем в Мисис, КЗЧ, БЗК, дистанционного ЗОНДИРОВАНИЯ.

Основная нагрузка падает на нашу рабочую группу, которая перевозит музыкальные инструменты материалы. Конечно, я хочу иметь свое собственное место. Госоркестр он это заслужил, свою славную историю.

В 1986 года министр культуры СССР подписал указ к 50-летию оркестра – признать Большом зале консерватории базой Госоркестра. Сейчас это, к сожалению, невозможно… Что бы сказал Светланов, если бы увидел это оборудование неустроенность?

И я хотел бы отметить, что это меня удивляет, ответственность моих коллег – имея огромное количество работы (концертов у нас больше, чем любая другая команда в Москве!), музыканты приходят на репетицию подготовленными, с выученными партиями. Приятно, что молодежь так же чувствительность. Поэтому я верю в будущее оркестра.

Аркадий Старков. Фото – Юлия Чечикова
Аркадий Старков, концертмейстер группы тромбонов

В любом оркестре мира тромбоны пытаются играть громко, и это желание скрыть, хотя большая часть всей сохраненной музыки должно звучать в средних нюансы – между меццо-форте и меццо пиано. Да, мы любим «погреметь», но из опыта, однако, приходит понимание, что изящные исполнения слушать интереснее.

Тромбон вместо скрипки

Мои родители – музыканты. Мама-виолончелистка, папа – тубист.

Мой двоюродный дед был проректор Саратовской консерватории, в свое время учился у Мстислава Ростроповича. Так уж сложилось, что музыка передается мне по наследству. Зная всю «кухню» профессии, родители не хотели меня отправить по его стопам. Но я не видел себя нигде, кроме музыки. Можно сказать, мне пришлось выбивать право заниматься тем, что требовала душа.

С пяти лет учился играть на скрипке, позже – на фортепиано, а в возрасте 12 лет перешел на тромбон. Инструмент-это физически сложно. В Европе, где делают специальные трубы для детей, на нем начинают заниматься гораздо раньше – с 7-8 лет.

В 90-е годы, когда мы жили с семьей в Волгограде, получить приличную модель было практически невозможно. Инструмент, пригодный для профессиональных занятий у меня появился только в Москве, когда я поступил в Мерзляковское училище.

Сейчас, конечно, таких барьеров не имеет уже даже китайцы научились производить духовые инструменты на очень приличном уровне. А во времена моего детства, тромбоны, доступные пока только ленинградский завод. Нужно ли говорить о их качестве…

Руководство над моим обучением в начале был отец. В городе объявлен областной конкурс для детей-духовиков, и решил, что его ребенок стоит принять участие – дал в руки баритон (в оркестре на них играют только определенные партии – например, в Седьмой симфонии Малера в первой части, в самых первых тактах, момент, как шутит Владимир Юровский, когда «лось поет в лесу»).

Я делал ровно два месяца, и меня выставили на конкурс. В итоге я занял третье место. Для папы это был показатель того, что обучение стоит продолжать.

Через некоторое время родители привезли меня в Москву на прослушивание профессор Анатолий Тихоновичу Скобелеву. Попросил сыграть гамму до-мажор. Это ему хватило, чтобы очертить круг технических проблем. Скобелев вел меня вплоть до окончания аспирантуры.

После «Мерзляковки», которую закончил экстерном, поступил в консерваторию. В возрасте 19 лет он начал работать в оркестре – меня приняли в «Молодой России» (в настоящее время «Новая Россия» под управлением Юрия Башмета).

В 90-х было проще где-то достать: смутное для всей страны, многие люди ушли из музыки, и даже в лучших командах были пустые места. У меня работа без опыта. В этом плане наша система образования разнилась с западной, где музыканты еще в студенческом оркестре проходят все основные партии и до конца колледжа выходят с солидным багажом.

У нас все наоборот… Хотя, к счастью, в последние годы в консерватории произошли изменения к лучшему – в учебный план ввели программы по изучению оркестровых партий, по инициативе ректора Александра Соколова был создан так называемый «производства оркестр», который действует почти как профессиональный.

В свой юбилейный год консерватории в сезоне стала приглашать в студенческий оркестр топ-класса дирижеров – Гергиева, Темирканова, Башмета, Федосеева. Будет и Юровский.

О критериях метаморфозы

В Госоркестр, я попал в 2007 году, на Марке Горенштейне. Много репетировали. И морально, и физически этот этап создает очень трудно.

Горенштейн, однозначно перфекционист, он требовал такого же отношения к делу и от оркестра. Если кто-то с ним не согласен в этом вопросе, работать с ним становилось невозможно. С одной стороны, признана желание сыграть лучше, с другой – не давало возможности расслабиться и получить удовольствие от исполнения.

Владимир Михайлович Юровский работает с оркестром по-разному. Это чрезвычайно умный человек (не только в музыкальном плане) и точно знает, как должна звучать музыка данной эпохи. Для этого понимания, подключается его внутренний мир, личные ощущения. Другие дирижеры, которые бы шли в такой же степени гармонично, мне неизвестны.

На репетиции Владимир Михайлович всегда направлен максимально очистить текст, и, в конце концов, оркестр знает все в мельчайших деталях. Но во время концерта Юровский предлагает что-то новое, и мы стараемся реагировать немедленно.

Никто не застрахован от технических огрехов, но если оркестрант не пытался реализовать идею дирижера в жизнь – это уже реальная проблема. Для Юровского очень важно, чтобы человек в процессе реализации был направлен на совместный творческий акт.

У Владимира Михайловича все концерты настоящие. Конечно, согласия быть не может, но никто не рискнет сказать, что этот человек не пропустил через весь результат.

И для нас, оркестра, такая страсть очень важна. Мы всегда видим, с каким намерением пришел дирижер: показать или сделать что-то особенное. По моим наблюдениям, в каждой партитуры Юровский всегда старается погрузиться в свой внутренний мир и вытащить оттуда что-то ценное.

Существует мнение, что дирижер – возрастная профессия. Хотя сейчас, на мой взгляд, она помолодела. Наш арт-директор очень тщательно выбирает тех, с которыми сталкивается команда в его отсутствие – Филипп Чижевский, Василий Петренко, Станислав Кочановский и другие. В основном с нами играют очень хорошие дирижеры.

О «золотом фонде» тромбонистов

Игра тромбон в оркестре довольно специфический. В принципе, мы нуждаемся в больших, монументальных произведениях, или, наоборот, в тихих хоралах.

См. также:Марк Горенштейн намерен подать в суд, а артисты ГАСО сравнивают 28 сентября 2011 года, с 9 мая 1945

Тромбон – инструмент ансамблевый, так что играть соло, как, например, гобой или кларнет, у нас практически нет. Чтобы избежать внутреннего закостенения в профессии, вам придется играть соло и не забывать о камерной музыке.

Тромбоновый репертуар, к сожалению, не богат. Есть три-четыре концерта для тромбона, относящиеся к эпохе классицизма, два – для эпохи романтизма. Остальные композиции современных.

В настоящее время живет композиторы поняли, что технология не стоит на месте и человеческий потенциал, как правило, более ясно и в полной мере раскрыты, поэтому концерты, написанные на них, как правило, технически сложнее и дольше по времени, чем, скажем, концерты эпохи романтизма.

Моцарт для нас музыку не писал, а вот его отец, Леопольд Моцарт создал дивертисмент для альтового тромбона – сочинение, в настоящее время входящие в наш «золотой фонд».

Сюда же можно отнести концерта Альбрехтсбергера, концерт Вагензайля, роман фон Вебера, гармонии Фердинанда Давида (это основные тромбоновое работа для поступления во все оркестры в мире), каватина Камиля Сен-Санса, концерт для тромбона с духовым оркестром н. Римского-Корсакова.

С фортиссимо и без него

Мы любим «погреметь», это правда! В этом отношении очень показательно и по-прежнему актуален известны рекомендации Рихарда Штрауса для дирижера:

«Ни в коем случае не смотрите на тромбоны, это их приободряет!»

И горе тому дирижера, который повернется к тромбонам во время фортиссимо! Кстати, Михаил Юровский позволяет нам делать все, что мы хотим, когда мы играем русскую музыку, то есть играть очень громко.

При попытке Шестой симфонии Чайковского остановил оркестр в кульминации первой части, и обратился к нам:

«Ребята, тут стесняться не нужно! Это звуковой эффект, чтобы играть по максимуму!»

С Владимиром Михайловичем, наверное, такие вещи невозможно. Без сомнения, он привык к европейскому звучанию, когда все происходит очень мягко. Хотя, как я понял из наших с ним разговоров, на Западе тромбонисты тоже очень грешат желание играть громко.

Удовлетворение концертом каждый оценивает с точки зрения своей внутренней эффективности. Если что-то вам не удалось, личную неудачу переживаешь так, будто вся симфония для вас «упал», и наоборот.

Есть специальные концерты, когда создается впечатление, что ты закончил работу, как в первый раз – так замечательно это получилось. В таком состоянии я был после «Симфонических танцев» с Юровским (Рахманинов был в первой его программе с Госоркестром). Для этого мы их играли постоянно, и казалось, что удивить они уже не смогут.

Другой пример – Вторая симфония Рахманинова с Леонардом Слаткиным. Это те случаи, когда на концерте между дирижером и оркестром происходит какая-то «химия», как говорит Юровский.

Семен Елизаров. Фото – Юлия Чечикова
Семен Елизаров, скрипка

Моя любовь для оркестра, это связано с тремя основными истинами: совместное творчество с другими музыкантами, творческая работа, рождающая музыку здесь и сейчас, и моя посильная вклад в достижение выше.

О родительской воле и детей в акциях протеста

Мои родители – скрипачи из профессии – в раннем возрасте он обнаружил у меня музыкальные способности, и с этого момента перед ними и передо мной не было другого выбора, как только посвятить свою жизнь музыке. Естественно, в этом возрасте это был неосознанный шаг для меня.

Как только со мной начали заниматься в профессии (сначала родители, потом учителя), я сделал для себя неприятное открытие: овладение инструментом не требует больших усилий, невероятной концентрации и жесточайшей дисциплины. Конечно, я должен был отказываться от игры во дворе для достижения результатов.

И чем быстрее развивается осваивал профессию музыкант, тем важнее становятся ограничения, что, конечно, провоцировало меня на разного рода протестов в виде детских шалостей.

До поступления в МССМШ имени Гнесиных (колледж), я уже вполне прилично играл на скрипке, в отличие от других заявителей, поэтому меня приняли без оговорок.

И с этого знаменательного события детства в общепринятом смысле этого слова закончилось. Преподаватели по специальности и в других предметах он дал мне свои знания, с которой я очень благодарен, но особую роль в становлении как музыканта сыграл мой учитель по классу скрипки – Татьяна Семеновна Беркуль, профессор Московской консерватории.

Благодаря ей мне удалось сделать качественный рывок в овладении инструментом и утвердиться в мысли, что моя профессиональная деятельность всегда связана с музыкой.

О совместных поисках хозяина

Во время учебы в школе в первый раз близко в контакте с таким явлением, как оркестр («Гнесинские виртуозы» п/у М. Хохлова), в котором играл в течение нескольких лет, вплоть до поступления в консерваторию.

Потом был оркестр «Московия» под управлением Эдуарда грача – в его класс в Московской консерватории я попал после окончания школы.

Поступив в аспирантуру на соло, взвод, сыграл конкурс в Госоркестр (в то время руководство осуществлял Марк Горенштейн) и был принят в группу первых скрипок.

Ознакомиться с оркестром, владении, еще в школе, произвело на меня настолько неизгладимое, святое чувство, что и по сей день является краеугольным камнем через мою жизнь. Для меня это главная достопримечательность моей музыкальной деятельности. Также я занимаюсь обучением и принимаю активное участие в группах, музыкально-тематические и творческие вечера и концерты.

На первый взгляд неопытного человека, игра в оркестре не представляет никакой сложности. Собираются, условно говоря, музыканты, открываются ноты какого-либо произведения, играют от начала и до конца и с чувством выполненного долга расходятся. Но для истинных ценителей оркестровой звука не сложнее и загадочнее феномен рождения музыки.

Можно ли попытаться изучить природу воздействия оркестра на души и чувства слушателей? Конечно, да! Суть явления проста, как все гениальное: абсолютное сочетание композиторского плана, профессионализма музыкантов и талант дирижера, пригодный каждому оркестре его уникальное звучание.

Приход в Госоркестр Владимира Юровского на должность художественного руководителя, на мой взгляд, связан с покорением новой высоты.

За эти пять лет оркестр качественно преобразился. Владимир Михайлович значительно расширил репертуар, интерпретировать аутентичный звук. Продуманное и внимательное отношение дирижера к музыкантам, совместное творчество, поиск идеала в выполнении любой работы, будь то классический, или современный, музыка – все это создает взаимный пиетет, и, вероятно, не будет утверждать, что из-за этого Госоркестр может быть считается одним из самых выдающихся явлений в современном культурном пространстве.

Юлия Чечикова, «M24»

Об авторе

Аида Воробьёвa

Аида Воробьёвa administrator

Оставить ответ